IndexStyle

Un dictionnaire des styles du design, écrit à partir des œuvres elles-mêmes.

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Termes776

Dictionnaire

Cherchez un style ou décrivez ce que vous voulez créer. Les noms passent en premier ; l’usage, l’effet et le support ajoutent des alternatives.

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Cyberfeminism — Old Boys Network, 100 Anti-Theses of Cyberfeminism, 1997 — Wikimedia Commons / CC BY 4.0 · © Sollfrank, Cornelia & Old Boys Network ed. 1998. First Cyberfeminist International. Hamburg: obn

Cyberfeminism

サイバーフェミニズム / 1991–2000s / Imaginaire / Art numérique

Un mouvement que le collectif australien VNS Matrix a revendiqué en 1991, et que la théoricienne Sadie Plant a nommé de son côté en Grande-Bretagne au même moment. Son manifeste a circulé par fax, par courrier, en affiche collée, en panneau publicitaire et en message en ligne. Contre une culture informatique qui voulait abandonner le corps, il a remis la bave et le sexe au centre.

Des lignes en linéale très grasse déformées sur un renflement sphérique, chacune à un corps différent / Une feuille à deux couleurs, du noir sur du rose pâle, avec un cercle blanc évidé au milieu / Une bordure pavée de formes organiques évoquant des yeux, frangées de poils rayonnants / Le nom du collectif inséré comme une ligne du texte au lieu d'être signé en bas

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Chinese Blue-and-White Porcelain — Grand plat à bord polylobé en bleu et blanc à décor de rochers, de plantes fleuries et de melons, dynastie Yuan, XIVe siècle — Wikimedia Commons / CC0

Chinese Blue-and-White Porcelain

青花（中国の染付） / 14th century– / Style / Styles céramiques

Un système de décor sous glaçure où l'oxyde de cobalt est posé au pinceau sur une pâte de porcelaine blanche, recouvert d'une glaçure transparente puis cuit. Il se constitue lorsque les fours de Jingdezhen, au Jiangxi, ajoutent du kaolin à la pâte sous la dynastie Yuan et modifient la cuisson. La palette étant réduite à une seule couleur, toute la gradation du dessin vient de la densité des lavis et des réserves en blanc.

Un seul bleu sur un fond de porcelaine blanche, sans aucune autre couleur / Le contour est tracé dans un bleu dense, puis rempli de lavis clairs qui étagent les valeurs comme une peinture à l'encre / Sur un fond saturé de bleu, les motifs sont réservés dans le blanc de la pâte / Le décor étant sous la glaçure, la touche ne forme aucun relief et la surface brille sans aspérité

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Famille Rose — Bol famille rose à rinceaux de lotus, dynastie Qing, ère Qianlong, 1736-1795 — Wikimedia Commons / CC BY 4.0

Famille Rose

粉彩（ファミーユ・ローズ） / 1720s– / Style / Styles céramiques

Un style de porcelaine à émaux sur couverte né en Chine et bâti sur une couleur opaque allant du rose au rose violacé. Ce pigment est le pourpre de Cassius, tiré de l'or colloïdal, apporté en Chine par les jésuites vers 1685. Il atteint son sommet sous le règne de Yongzheng, puis se destine surtout à l'exportation vers l'Europe.

Un émail opaque allant du rose au rose violacé porte la couleur la plus forte de la pièce / L'émail étant opaque, la porcelaine blanche ne transparaît pas et la couleur se pose telle quelle sur la pièce / Peint sur la glaçure, le brillant diffère entre la zone décorée et la réserve de porcelaine blanche / Le même style se retrouve sur des pièces françaises, allemandes et anglaises, et seule la touche trahit la provenance

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Blanc de Chine — Guanyin debout en porcelaine blanche, fours de Dehua, seconde moitié du XVIIe siècle — Wikimedia Commons / CC0

Blanc de Chine

ブラン・ド・シーヌ（徳化白磁） / Ming dynasty– / Style / Styles céramiques

Le nom de blanc de Chine que les collectionneurs européens ont donné à la porcelaine blanche cuite dans les fours de Dehua, au Fujian. Aucun décor peint n'y figure, si bien que tout repose sur une glaçure épaisse allant du laiteux au bleuté et sur des corps moulés auxquels on rapporte à la main les détails. Les figures de Guanyin et les coupes copiées de la corne de rhinocéros en sont devenues les pièces emblématiques.

Aucun décor peint nulle part, la surface reste d'un seul blanc / Une glaçure épaisse qui oscille du blanc laiteux au bleuté et laisse passer la lumière là où elle s'amincit / Restent les jointures où les doigts et les plis du vêtement, modelés à part, ont été rapportés sur un corps moulé / Des coupes à large ouverture et à base resserrée, qui reportent sur la porcelaine la forme d'une corne coupée en travers

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Goryeo Celadon — Goryeo celadon incense burner, 12th century — National Museum of Korea; photo: Steve46814 (alternative high-resolution example) — Wikimedia Commons / CC BY-SA 3.0

Goryeo Celadon

高麗青磁 / 918–1392 / Style / Styles céramiques

Le style de céladon produit en Corée sous la dynastie Goryeo. Sur une pâte gris blanc contenant un peu de fer, on pose une glaçure translucide allant du vert au bleuté, dont la plus belle teinte fut appelée bisaek. Comme la glaçure laisse voir au travers, les motifs incrustés d'argile blanche et rouge dans les sillons gravés semblent remonter du fond de l'eau.

Sur une pâte gris blanc s'étend une glaçure translucide qui va du vert au bleuté / Les lignes incrustées d'argile blanche et rouge dans les sillons gravés paraissent enfoncées sous la glaçure / La gravure, le relief et l'ajour s'emploient ensemble sur une même pièce / Sur le fond vert se posent, en petite quantité, des touches brun noir ou rouges peintes aux pigments de fer ou de cuivre

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Buncheong — Jarre en buncheong à décor de pivoines en sgraffite, dynastie Joseon, seconde moitié du XVe siècle — Wikimedia Commons / CC0

Buncheong

粉青沙器 / 14th–16th century / Style / Styles céramiques

Une céramique coréenne dont la pâte gris bleu est couverte d'un engobe blanc et dont le nom abrège une expression employée par l'historien de l'art Go Yuseop. Elle se répartit selon la pose de l'engobe, par incrustation, estampage, sgraffite, peinture au fer, brosse et trempage, et l'irrégularité du blanc jointe à la course de la brosse donne à chaque pièce un visage différent.

L'engobe blanc recouvre une pâte gris bleu, et l'irrégularité de la couche fait le motif / Sur les pièces à la brosse, les traces des soies courent dans un seul sens et restent en bande blanche / Sur les pièces estampées, de petits chrysanthèmes imprimés bord à bord se remplissent d'argile blanche et alignent des points blancs / Sur les pièces trempées, la hauteur d'immersion laisse une seule ligne, et au-dessous apparaît le gris de la pâte

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Kakiemon — Plat émaillé de style Kakiemon, Arita, vers 1675-1725 — Wikimedia Commons / Public domain

Kakiemon

柿右衛門様式 / 17th century– / Style / Styles céramiques

Un style où la porcelaine blanche cuite à Arita, dans le Hizen, reçoit des émaux rouges, verts et bleus posés sur la glaçure. Le nom est celui de la famille de décorateurs à qui l'on attribue l'introduction de l'émaillage sur couverte à Arita dans les années 1640. On laisse une large part du blanc sans peinture et l'on repousse le décor d'un côté.

L'émail étant posé sur la glaçure, seule la zone peinte se soulève légèrement et renvoie la lumière / Des traits fins de rouge, de vert et de bleu, rehaussés d'or, dessinent le prunier, le bambou, des oiseaux et des personnages / La surface blanche l'emporte sur le décor, et le motif se porte vers un bord en laissant le centre vide / Outre la vaisselle, il existe des figurines de personnages et d'éléphants, peintes des mêmes émaux et du même or

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Oribe Ware — Bol carré Oribe, céramique de Mino, époque d'Edo, XVIIe siècle — Wikimedia Commons / Public domain

Oribe Ware

織部 / Momoyama period– / Style / Styles céramiques

Un style de grès cuit dans les fours de Seto et de Mino, du Momoyama aux premières années Tokugawa, centré sur les ustensiles de la cérémonie du thé. La surface reste rêche et les glaçures sont peu nombreuses et chaudes de ton. Le vert de cuivre ne couvre qu'une partie de la pièce, et sur la pâte réservée on peint des motifs au fer.

Le vert de cuivre ne couvre qu'une face de la pièce et la limite entre le couvert et le réservé subsiste en une ligne / Sur la pâte non couverte, des lignes et des motifs géométriques sont peints au pinceau avec un pigment de fer / La surface est rêche et n'atteint jamais le lisse de la porcelaine / Peu de couleurs suffisent, le vert de la glaçure, le gris blanc chaud de la pâte et le brun noir du fer

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Raku Ware — Hon'ami Kōetsu, bol à thé en raku blanc nommé Fujisan, XVIIe siècle — Wikimedia Commons / Public domain

Raku Ware

楽焼 / 16th century– / Style / Styles céramiques

Une céramique cuite à basse température, retirée du four à la pince alors qu'elle est encore chaude et refroidie à l'air libre. La glaçure au plomb ne s'écoule pas entièrement et s'accumule en épaisseur, tandis que la pâte reste tendre et poreuse, si bien que deux pièces d'une même fournée n'offrent jamais la même surface. Le procédé né au Japon a ensuite donné son nom à une technique qui vise cet effet.

Une glaçure qui s'accumule en épaisseur et se rétracte pour s'arrêter avant le bord / Une fine tressaillure, née du refroidissement brusque, parcourt toute la surface émaillée / Au pied et au fond non couverts, la pâte tendre reste à nu telle quelle / Même sorties du même four, les pièces portent les inégalités de couleur ailleurs et en quantité différente

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Istoriato — Atelier d'Urbino, coupe sur pied représentant Abraham et Isaac, XVIe siècle — Wikimedia Commons / CC0

Istoriato

イストリアート / c. 1500– / Style / Styles céramiques

Un style italien qui traite toute la face d'un plat de majolique comme un seul tableau et mène en couleur jusqu'au bord des scènes historiques, mythologiques, bibliques ou allégoriques. Il apparaît vers 1500 et se répand en lien avec Urbino. La pièce cesse d'être un objet décoré pour devenir le support d'une peinture.

La scène court sans interruption du bassin jusqu'au bord, sans qu'aucune bordure ne la coupe / Sur un fond de glaçure stannifère blanche se pose une peinture en jaune, bleu, vert et brun / Les personnages sont placés dans un paysage ou une architecture en profondeur, et la composition picturale passe telle quelle sur la faïence / La scène ne s'interrompt pas sur la courbe du bord et l'image se déforme en suivant le volume de la pièce

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Talavera Poblana — Jarre de Talavera, XVIIIe siècle, musée Franz Mayer — Wikimedia Commons / CC BY-SA 3.0 · © AlejandroLinaresGarcia

Talavera Poblana

タラベラ・ポブラーナ / 16th century– / Style / Styles céramiques

La faïence née de la refonte, à Puebla, de la céramique espagnole à glaçure stannifère, peinte sur une épaisse couche de glaçure blanc laiteux. Elle emprunte les compositions en un seul bleu de la porcelaine chinoise venue par le Pacifique et y mêle des images locales comme l'aigle à deux têtes et le quetzal, ce qui la sépare de la majolique dont elle est issue.

Une épaisse glaçure blanc laiteux couvre toute la pièce et forme un ressaut là où elle s'accumule, au bord et près du pied / Un décor à compartiments peint dans un seul bleu divise le bord en petites sections et en fait le tour / Entre des fleurs et des rochers à la chinoise se glisse une seule image locale, un aigle à deux têtes ou un quetzal / Les carreaux répètent un même dessin pour couvrir tout un mur, et aucun ne porte la même pression de pinceau

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Studio Pottery — Hans Coper, vase en forme de bêche, 1968 — Wikimedia Commons / CC0

Studio Pottery

スタジオ・ポタリー / 1920s– / Style / Styles céramiques

Une céramique où, hors de l'usine et dans son propre atelier, une seule personne conduit la pièce du façonnage à l'émaillage et à la cuisson. Elle naît dans le renouveau des métiers d'art du début du vingtième siècle, et son refus de la production mécanique se lit directement dans la forme et la surface. Le four ouvert en 1920 à Saint Ives, en Cornouailles, en est devenu le centre.

Les stries du tour et les jointures du colombin et de la plaque restent visibles, sans être effacées / Des glaçures de haute température, de cendres, céladon et tenmoku, où le brun noir et le vert grisé reviennent sans cesse / Les glaçures rouge de cuivre et pourpres coulent dans le four et restent sur la paroi en traînées non prévues / Sous la glaçure blanche, des lignes fines gravées sont remplies d'engobe coloré, et seuls le bord et le pied reçoivent une autre glaçure

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Cloisonné — Panneau en cloisonné à décor de dragons, dynastie Ming, fin du XVIe–début du XVIIe siècle, The Metropolitan Museum of Art — Wikimedia Commons / CC0

Cloisonné

七宝（クロワゾネ） / ancient– / Technique / Techniques du vase et de l'artisanat

Technique où de fines bandes de métal sont dressées pour former des cloisons, chaque alvéole recevant un émail vitreux que la cuisson fixe. Les cloisons subsistent après cuisson sous forme de lignes métalliques, si bien que chaque plage de couleur reste enfermée dans une ligne. Le Getty la range parmi les procédés et non parmi les styles.

Chaque plage de couleur est cernée par une fine ligne de métal, et ces lignes découpent tout le motif sans jamais s'interrompre. / Nulle part deux couleurs ne se fondent l'une dans l'autre. / Seules les lignes renvoient l'éclat du métal, différent de celui de l'émail. / Le fond est en métal ou en porcelaine, de sorte que le motif épouse la courbe d'un vase au lieu de reposer sur un panneau plat.

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Kintsugi — Bol à thé ko-Karatsu réparé au kintsugi — Wikimedia Commons / CC BY 2.0 · © Jean-Pierre Dalbéra

Kintsugi

金継ぎ / 15th century– / Technique / Techniques du vase et de l'artisanat

Le kintsugi est la manière japonaise de réparer une céramique brisée à la laque urushi puis à l'or ou à l'argent, de sorte que la reprise se montre au lieu de se cacher. Le Getty le classe parmi les procédés de restauration, comme une façon de raccommoder et non comme un style. La cassure décide du tracé des lignes de métal, si bien qu'un même objet ne donnera jamais deux fois le même dessin.

De fines lignes d'or ou d'argent qui suivent exactement la cassure. / Une épaisseur de ligne irrégulière, qui s'élargit en plage là où un éclat manquait. / Un liseré de laque sombre qui affleure au bord du métal. / Des lignes de métal qui traversent le décor peint d'origine sans en tenir aucun compte.

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Maki-e — Nakayama Komin, boîte à confiseries au décor maki-e de cages à insectes, XIXe siècle, Tokyo National Museum — Wikimedia Commons / Public domain

Maki-e

蒔絵 / Heian period– / Technique / Techniques du vase et de l'artisanat

Terme général désignant les techniques japonaises de décor où l'on saupoudre de l'or, de l'argent ou un pigment en poudre sur une laque encore fraîche pour y fixer l'image. Le nom signifie image saupoudrée, et ces techniques sont devenues à l'époque de Heian le principal décor de la laque. Le modelé ne vient pas d'un mélange de couleurs mais de la finesse de la poudre et de la densité de sa retombée.

Un décor d'or qui semble s'enfoncer sous la surface d'un fond de laque noire. / Le même or se lit en grains visibles là où la poudre est grosse et en nappe lisse là où elle est fine. / Le bord du motif naît d'une variation de densité de la poudre et non d'un trait tracé. / Des feuilles d'or appliquées en kirikane se glissent parmi les zones saupoudrées et y ménagent des plages d'or lisse.

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Mokume-gane — Hamano Masanobu, garde de sabre (tsuba) au faucon et aux moineaux, 1836, Walters Art Museum — Wikimedia Commons / Public domain

Mokume-gane

木目金 / 17th century– / Technique / Techniques du vase et de l'artisanat

Technique japonaise qui soude en un seul bloc de nombreuses couches de métaux de couleurs différentes puis, par entaille et laminage, fait apparaître à la surface des veines proches des cernes du bois. Les veines ne sont pas dessinées mais forment la coupe de l'empilement, si bien que ni la lime ni le poli ne les effacent, et changer la forme change aussi le dessin.

Les veines se referment en anneaux et en tourbillons qui rappellent le bois de bout. / Le cuivre rouge, l'argent blanc et les couches noircies se touchent en changeant de couleur. / Deux pièces du même atelier et de la même forme ne portent jamais la même veine. / Les veines ne s'arrêtent pas au bord et se poursuivent dans l'épaisseur de la tôle.

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Cameo Glass — Coupe à Bacchus et Ariane, Rome, vers 25 av. J.-C.–25 apr. J.-C., Getty Villa — Wikimedia Commons / CC BY-SA 3.0 · © sailko

Cameo Glass

カメオ・グラス / Roman era– / Technique / Techniques du vase et de l'artisanat

Verre doublé de deux couches ou plus de couleurs différentes, dont la couche extérieure est taillée, coupée ou gravée jusqu'à faire ressortir la figure. Le Getty le range du côté des matériaux. L'image n'est pas peinte mais laissée en réserve, et l'épaisseur conservée décide à elle seule de son opacité.

Une image claire qui se lève en relief sur un fond plus sombre. / Là où la taille est légère, la couleur du fond transparaît et l'image s'enfonce, et seules les parties les plus épaisses deviennent opaques. / Le fond est d'une seule couleur unie et toute la gamme des valeurs se tient dans l'image. / Le contour est un ressaut et non un trait, si bien qu'une lumière rasante fait porter à l'image sa propre ombre.

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Venetian Glass — Coupe de fiançailles émaillée et dorée, Venise, 1475–1500 — Wikimedia Commons / CC BY-SA 2.0 UK · © David Jackson

Venetian Glass

ヴェネツィアン・グラス / 13th century– / Style / Techniques du vase et de l'artisanat

Terme général pour le verre fabriqué à Murano, à Venise, et pour les formes que sa matière impose. Le verre sodique est léger et très ductile, si bien que la forme s'obtient à chaud en étirant, en torsadant et en rapportant, non en taillant à froid. Le lattimo blanc opaque et la filigrana en réseau courent dans la masse, tandis que la dorure et la peinture à l'émail se posent en surface.

La paroi reste mince, et le pied comme les anses arrivent en lignes étirées. / Des fils de verre blanc opaque sont pris dans la masse transparente et y dessinent des réseaux et des rayures. / La taille gravée est rare, et le décor se pose plutôt en surface, en dorure et en émail. / De petits disques découpés dans des cannes à motif se dispersent sur la paroi.

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Biedermeier — Canapé Biedermeier, Autriche, vers 1815–1825, musée des beaux-arts de Montréal — Wikimedia Commons / Public domain

Biedermeier

ビーダーマイヤー / 1820s–1850s / Style / Mobilier et intérieurs

Sobriquet satirique appliqué après coup à l'art et aux intérieurs de l'Europe centrale des années 1820 aux années 1850, et devenu le nom même du style. On l'associe au goût de la classe moyenne, à des formes franches qui évitent l'ornement compliqué et à des sujets qui peignent avec sentiment les proches et la nature.

Des meubles dont le contour reste simple, sans sculpture ni marqueterie posées dessus. / À la place de l'ornement, c'est le fil du bois lui même qui vient au premier plan. / Les sujets sont des proches et la nature, traités avec sentiment. / Des dimensions modestes, faites pour la pièce d'un bourgeois et non pour une salle princière.

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Chippendale — Chaise (l'une d'une paire), Grande-Bretagne, vers 1755, Metropolitan Museum of Art — Wikimedia Commons / CC0

Chippendale

チッペンデール / 1750s–1760s / Style / Mobilier et intérieurs

Style du mobilier anglais des années 1750 et 1760. Comme des ateliers de tout le pays travaillaient d'après les planches de l'ébéniste Thomas Chippendale, un nom de personne est devenu le nom du style. La charpente reste rococo, et l'ajouré comme la sculpture décorative se concentrent sur le dossier et les pieds.

Le dossier n'est pas un panneau plein mais un ajouré, et l'on voit au travers. / La sculpture s'accumule sur les arêtes et les pieds, et presque aucune surface ne reste plane. / Des courbes venues du rococo traversent les pieds et la traverse haute, et aucun angle ne se coupe droit. / La sculpture n'est pas un ornement rapporté mais se dégage dans l'épaisseur du bois.

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Empire Style — Atelier Jacob, fauteuil de Joséphine aux accotoirs en col de cygne, vers 1804, château de Malmaison — Wikimedia Commons / CC0

Empire Style

アンピール様式 / 1804–1814 / Style / Mobilier et intérieurs

Style d'intérieur et de mobilier répandu depuis la France sous l'Empire napoléonien, où de grandes surfaces unies reçoivent des bronzes dorés posés comme des points. Pattes de lion, têtes de sphinge ailée, lotus et rosaces circulaires se rangent par paires, et cette disposition symétrique le fait paraître plus lourd que le néoclassicisme qui le précède.

Sur des plans d'acajou unis, les bronzes dorés sont posés en points régulièrement espacés. / Le pied avant se termine en patte de lion en bas et en tête de sphinge ailée en haut, laquelle porte l'accotoir. / Une file de rosaces circulaires court à intervalles égaux sur la traverse basse du dossier. / Les sièges vont par paires identiques, et l'assise comme le mur reçoivent la même soie sombre.

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Aesthetic Movement — James McNeill Whistler, The Peacock Room (Harmonie en bleu et or), 1876–77, Freer Gallery of Art — Wikimedia Commons / CC BY-SA 4.0 · © Votpuske

Aesthetic Movement

唯美主義運動 / 1870s–1880s / Style / Mobilier et intérieurs

Mouvement britannique et américain des années 1870 et 1880 qui traverse aussi bien la peinture que le mobilier, le textile et l'architecture. Sous le mot d'ordre de l'art pour l'art, il place la valeur autonome du beau au dessus de la leçon morale, du récit et du poids du sujet. L'ornement ne dit donc rien et tout se règle sur l'accord de la surface.

Des tournesols et des lis qui reviennent sous la même forme sur la céramique, sur les étoffes et dans la pièce elle même. / Une gamme tirée vers le vert olive et le jaune, avec du rouge sombre et du crème posés sur des fonds noirs. / Des motifs japonais aplatis en répétitions, bambou circulaire, rosaces stylisées et feuilles retombantes sur un fond de losanges. / Des porcelaines chinoises bleu et blanc disposées dans la pièce, les vases comptant eux mêmes comme décor.

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Craftsman Style — Gustav Stickley (United Crafts), fauteuil, 1901, Art Institute of Chicago — Wikimedia Commons / CC BY 3.0 · © Sailko

Craftsman Style

クラフツマン様式 / 1870s–1920s / Style / Mobilier et intérieurs

Style d'architecture, d'aménagement intérieur et d'arts décoratifs répandu aux États-Unis depuis environ 1870 jusque vers 1925. Il prolonge l'Arts and Crafts anglais en renonçant à citer les styles historiques pour choisir la simplicité, mais ses porteurs allèrent jusqu'aux réformateurs sociaux, aux éducateurs et aux associations féminines. Il se manifeste surtout dans de petites maisons comme le bungalow, où le matériau se montre tel quel.

Les pièces de structure, poutres et corbeaux, restent apparentes au lieu d'être coffrées. / Aucun chapiteau, aucune volute, aucune pièce empruntée aux styles historiques. / Cela tient à l'échelle d'une maison modeste comme le bungalow et non d'une demeure. / Le bois et la pierre ne sont pas peints, si bien que les surfaces se font de fil et de couleur naturelle.

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Eastlake — Fauteuil de style Eastlake, Missouri History Museum — Wikimedia Commons / Public domain

Eastlake

イーストレイク様式 / 19th century– / Style / Mobilier et intérieurs

Nom donné dans l'Amérique du dix-neuvième siècle à un style décoratif et architectural rattaché aux modèles de meubles de Charles Locke Eastlake. Le vocabulaire du meuble passe tel quel au bâtiment, et la façade aligne des colonnes proches de pieds de table, des consoles courbes, des balustres tournés et des boules ajourées de perforations circulaires.

Des colonnes qui ressemblent à des pieds de table épaissis. / Des consoles courbes qui se répètent à intervalles égaux sous les avant-toits et les auvents de porche. / De fins balustres tournés qui garnissent les garde-corps et le haut de la véranda. / Des boules percées de trous circulaires posées aux croisements des pièces.

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