IndexStyle

Un diccionario de estilos de diseño, escrito a partir de las obras mismas.

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Términos598

Diccionario

Busca por estilo o describe lo que quieres crear. Los nombres tienen prioridad; el propósito, el efecto y el medio añaden alternativas.

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visionOS Spatial Design — Pantalla de inicio de visionOS 2, 2025 — Wikimedia Commons / CC0visionOS Spatial Design — visionOS 2 con ventanas de apps superpuestas al entorno real, 2025 — Wikimedia Commons / CC0visionOS Spatial Design — Centro de Control de visionOS 26, 2025 — Wikimedia Commons / CC0

visionOS Spatial Design

visionOS 空間デザイン / 2023– / Estilo / Apple UI

El lenguaje de pantalla que Apple fijó para Vision Pro en sus directrices. Una ventana es un plano vertical de un material llamado cristal, a través del cual se ve la habitación, mientras los reflejos especulares y las sombras informan de dónde está el plano y de qué tamaño es. Como el punto se define por un ángulo y no por píxeles, el tamaño aparente no cambia aunque la ventana se aleje.

Un plano vertical de cristal cuyo fondo no se puede sustituir, que deja ver la habitación y recibe reflejos especulares y sombras / La ventana por defecto mide 1280x720 pt, se abre a unos dos metros y su anchura aparente ronda los tres metros / Un efecto de hover que ilumina solo el elemento mirado, con una única zona sensible de esquinas redondeadas por control / En un volume, que no tiene marco visible, el botón de cerrar y la barra de ventana giran hacia quien camina a su alrededor

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Windows 95 Interface — Windows 95 en polaco, escritorio y menú Inicio — Wikimedia Commons / CC0Windows 95 Interface — Windows 95 compilación 4.00.116, menú contextual, 1994 — Wikimedia Commons / Public domainWindows 95 Interface — Windows 95 compilación 4.00.180, diálogo «Close Program», 1994 — Wikimedia Commons / Public domain

Windows 95 Interface

Windows 95 インターフェース / 1995–2001 / Estilo / Microsoft UI

El lenguaje de pantalla que Microsoft documentó en su libro oficial de directrices de 1995. Las superficies grises se tallan con una línea exterior y otra interior, de modo que solo la dirección de la sombra dice qué se puede pulsar. Una franja queda fija en el borde inferior de la pantalla y todos los programas se montan con las mismas piezas.

Superficies grises enmarcadas por un doble filo, una línea clara y otra oscura, por fuera y por dentro / Una franja fija en el borde inferior de la pantalla con un botón cuadrado en su extremo izquierdo / Una barra de título de azul marino plano con tres cuadraditos agrupados en su extremo derecho / Texto de mapa de bits pequeño y sin suavizado, con una sola letra subrayada para marcar el atajo de teclado

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Holo — Pantalla de inicio de Android 4.0 (Galaxy Nexus), 2011 — Wikimedia Commons / CC BY 2.5Holo — Pantalla de bloqueo de Android 4.1 (Galaxy Nexus), 2012 — Wikimedia Commons / CC BY 2.5Holo — Diálogo de alerta y pantalla de lista de Android 4.3, 2014 — Wikimedia Commons / Public domain

Holo

ホロ / 2011–2014 / Estilo / Google UI

El lenguaje de diseño que Google introdujo con Android 3.0 y que en la 4.0 pasó a ser requisito de compatibilidad para cada dispositivo. Traza filetes finos sobre fondo negro y deja que un único azul cian encienda solo la selección, el foco de escritura y el progreso. Se repartió junto con una promesa, la de que una aplicación que pidiera este tema por su nombre se dibujaría sin cambios incluso en un teléfono con la capa del fabricante encima.

Texto blanco sobre negro, y las divisiones se hacen con filetes de un píxel en lugar de paneles rellenos / Un solo azul cian, el #33B5E5, ilumina únicamente la selección, el subrayado del campo de texto y el progreso / Una barra de acciones a todo lo ancho fijada arriba, y abajo una franja con las teclas virtuales de atrás, inicio e historial / Los rótulos de pestaña y los subtítulos de las listas van en negrita y todo en mayúsculas

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Motif — Pantalla predeterminada del Motif Window Manager (mwm), 2014 — Wikimedia Commons / CC0Motif — xpdf con un menú abierto — Wikimedia Commons / CC BY-SA 3.0Motif — Escritorio de CDE construido con Motif, 2012 — Wikimedia Commons / CC BY-SA 3.0

Motif

モチーフ / 1989– / Estilo / Lenguajes de pantalla

Motif es el lenguaje de interfaz de las estaciones de trabajo UNIX, mantenido por The Open Group, normalizado como IEEE 1295 y llevado a más de doscientas máquinas. Su propia documentación lo llama una apariencia biselada en tres dimensiones, lo que significa que cada pieza descansa sobre una cara gris cuyos bordes reciben un color claro y otro oscuro para que todo parezca elevado.

Una cara gris iluminada por sus bordes superior e izquierdo y oscurecida por el inferior y el derecho, de modo que toda pieza parece elevada / Mientras se mantiene pulsado, los dos colores de borde se intercambian y la pieza parece hundirse / Un fino recuadro rectangular rodea el control que en ese momento recibe el teclado / Las barras de desplazamiento son rectángulos de esquinas vivas con un botón de flecha triangular en cada extremo

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OPEN LOOK — Ventanas y menú de ventana al estilo OPEN LOOK (olvwm), 2016 — Wikimedia Commons / CC BY-SA 4.0OPEN LOOK — Sun Microsystems, muestrario de componentes de The NeWS Toolkit — Wikimedia Commons / CC BY-SA 3.0OPEN LOOK — Menú raíz y gestor de escritorios virtuales de olvwm, 2013 — Wikimedia Commons / CC BY-SA 3.0

OPEN LOOK

オープンルック / 1988–1990s / Estilo / Lenguajes de pantalla

El lenguaje de pantalla para estaciones de trabajo UNIX que Sun Microsystems publicó como especificación. Define a la vez una versión para pantallas en blanco y negro y otra en tres dimensiones, compone todos los elementos comunes con una sola sans serif y establece que el color se use con moderación. La ventana emergente lleva una chincheta en su hombro izquierdo, y clavarla deja la ventana sobre la superficie de trabajo.

Una chincheta en el extremo izquierdo de la cabecera de una ventana emergente, que al clavarse fija la ventana al espacio de trabajo en vez de cerrarla / Tres puntos detrás de una etiqueta anuncian una ventana, y un triángulo dibujado solo con su contorno anuncia un menú / La barra de desplazamiento se reparte en un ascensor, un cable y sendos anclajes arriba y abajo, y la parte oscura del cable indica qué proporción está a la vista / La superficie de trabajo se hace con una trama al 50 por ciento y la sombra de los menús con una trama al 75 por ciento

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NeXTSTEP Interface — El navegador WorldWideWeb en NeXTSTEP — Wikimedia Commons / Public domainNeXTSTEP Interface — Thomas Schanz, NeXTSTEP 3.3 en un HP9000 715, 2018 — Wikimedia Commons / CC BY-SA 4.0NeXTSTEP Interface — Electronic AppWrapper y 3D Reality en NeXTSTEP — Wikimedia Commons / CC BY-SA 4.0

NeXTSTEP Interface

ネクストステップ・インターフェース / 1988–1997 / Estilo / Lenguajes de pantalla

El lenguaje de pantalla que NeXT fijó en su libro de directrices de 1993. El documento declara sin rodeos su meta, una paleta hecha solo de negro, blanco y gris, y una apariencia sobria que consigue el relieve mediante sombreado. El menú se levanta como una columna vertical en la esquina superior izquierda, y los iconos de las aplicaciones residentes se alinean en vertical junto al borde derecho.

Un menú que se levanta en columna vertical arriba a la izquierda, con los submenús que se enganchan y se abren a su derecha / Iconos cuadrados de aplicación alineados en vertical junto al borde derecho de la pantalla / Biseles gruesos tallados por completo en valores de gris, sin ningún matiz de color / La barra de título de la ventana que recibe las teclas va en negro, mientras que la ventana que solo está delante la lleva en gris oscuro

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Amiga Workbench — Pantalla de Amiga Workbench 1.x, 1985 — Wikimedia Commons / CC BY-SA 4.0Amiga Workbench — The Maddestman, ventana de cajón de Workbench 1.2, 2017 — Wikimedia Commons / CC BY-SA 4.0Amiga Workbench — Chiffre01, pantalla de Amiga Workbench 3.1, 2018 — Wikimedia Commons / CC BY-SA 4.0

Amiga Workbench

アミガ・ワークベンチ / 1985–1996 / Estilo / Lenguajes de pantalla

El lenguaje de pantalla del Amiga, que Commodore fijó en su propia guía de estilo. Las primeras versiones trabajan con cuatro colores nada más, azul con blanco y naranja, y meten Topaz, una tipografía de mapa de bits angulosa, en una retícula de 640×200. Lo que forma capas no son las ventanas sino las pantallas mismas, de modo que al tirar hacia abajo de la barra superior aparece la pantalla que corría detrás.

Una pantalla de azul con blanco y naranja que no emplea más de cuatro colores / Una tipografía de mapa de bits angulosa apretada en una retícula basta de 640×200 / Una barra de título a todo lo ancho recorre el borde superior de la pantalla, con los gadgets de profundidad agrupados en su extremo derecho / Los controles activos se elevan gracias a una línea clara arriba a la izquierda y otra oscura abajo a la derecha, y al pulsarlos las dos se invierten y la pieza se hunde

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BeOS Interface — Tullius, pantalla de BeOS, 2005 — Wikimedia Commons / CC BY-SA 3.0BeOS Interface — Deavmi, ventana de configuración del Terminal de Haiku, 2017 — Wikimedia Commons / CC BY-SA 4.0BeOS Interface — Avodjag, menú Deskbar de Haiku, 2013 — Wikimedia Commons / CC BY-SA 3.0

BeOS Interface

BeOS インターフェース / 1995–2001 / Estilo / Lenguajes de pantalla

El lenguaje de interfaz de Be, que renunció a la barra de título que ocupaba todo el borde superior de la ventana y puso en su lugar una pestaña amarilla del ancho justo del nombre. La guía oficial la llama una función exclusiva de las ventanas de Be, porque con la tecla Shift la pestaña se desliza de lado, de modo que las ventanas apiladas dejan una fila de pestañas visibles en vez de taparse unas a otras.

Solo la pestaña de la ventana de delante es amarilla, todas las demás siguen en gris / La pestaña mide lo que mide el nombre de la ventana, no lo que mide la ventana / Al arrastrar la pestaña con Shift pulsado, esta se desliza a lo largo del borde superior de la ventana / El Deskbar se alza en la esquina superior derecha de la pantalla con las aplicaciones en marcha apiladas debajo

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Adwaita — Nathan Hadley, Configuración de GNOME 48, 2025 — Wikimedia Commons / CC BY-SA 4.0Adwaita — Nathan Hadley, Editor de textos de GNOME 47, 2025 — Wikimedia Commons / CC BY-SA 4.0Adwaita — Frap, pantalla de GNOME Files, 2025 — Wikimedia Commons / CC0

Adwaita

アドワイタ / 2011– / Estilo / Lenguajes de pantalla

Adwaita es el nombre que GNOME da a su aspecto predeterminado, y sus directrices establecen que un mismo juego de componentes debe sostener la versión clara, la oscura y la de alto contraste. Una barra de cabecera cruza el borde superior de la ventana, y los botones que van sobre ella no llevan ni fondo ni borde. Los iconos se unifican como símbolos monocromos de 16x16px.

Una sola barra de cabecera cruzando el borde superior de la ventana, dispuesta sobre tres puntos de alineación, con el título de la ventana en el centro / Los botones de la barra de cabecera no tienen ni fondo ni borde, así que sobre la superficie solo flotan el símbolo y la palabra / Iconos simbólicos monocromos dibujados a 16x16px, con trazos principales de 2px y formas frontales sin perspectiva / Una paleta publicada con cinco escalones por cada matiz, entre ellos el Blue 3 en #3584e4

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Metal (Java Look and Feel) — DavidL, aspecto Metal de Swing, 2020 — Wikimedia Commons / CC BY-SA 4.0Metal (Java Look and Feel) — Apache Software Foundation, pantalla de Apache JMeter 2.3.3, 2009 — Wikimedia Commons / CC BY-SA 3.0Metal (Java Look and Feel) — Kateregga1, pantalla de preferencias de JOSM, 2018 — Wikimedia Commons / CC BY-SA 4.0

Metal (Java Look and Feel)

メタル（Java ルック＆フィール） / 1998– / Estilo / Lenguajes de pantalla

El aspecto predeterminado que Sun creó para Swing, pensado para que un programa se vea igual en cualquier sistema operativo. Metal era el nombre interno del proyecto en Sun y acabó siendo el nombre público. Sus señas son los planos de azul violáceo, los bordes rectos de un píxel y el rechazo total a imitar la plataforma anfitriona.

Barras de título de ventanas internas trazadas como una banda azul violácea oscura sobre un campo azul violáceo pálido / Una textura fina de puntos y trazos diagonales estampada en las barras de título y en los separadores / Botones rectangulares sin radio en las esquinas, rodeados por una línea de un píxel en azul violáceo oscuro / El sistema anfitrión dibuja el marco exterior de la ventana mientras todo lo que hay dentro sigue otro lenguaje visual

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One UI — Armen777444, pantalla de Mantenimiento del dispositivo de One UI 7, 2025 — Wikimedia Commons / CC BY 4.0One UI — Pantalla de inicio de One UI 5, 2023 — Wikimedia Commons / Public domainOne UI — Paowee, pantalla de Samsung Internet 27, 2024 — Wikimedia Commons / CC BY-SA 4.0

One UI

ワンUI / 2018– / Estilo / Lenguajes de pantalla

El lenguaje de diseño que Samsung definió para los Galaxy. Corta la pantalla a la altura que el pulgar alcanza con más facilidad y llama a la parte de arriba zona de visión y a la de abajo zona de interacción, de modo que los títulos quedan altos mientras los botones, las pestañas y los diálogos se agrupan abajo. El contenido se reúne en cajas de esquinas muy redondeadas, el fondo es blanco o negro puro y un único azul carga con todos los acentos.

La parte superior de la pantalla no contiene más que un título y espacio libre, sin ningún control que se pueda tocar / El texto y las imágenes se reúnen en cajas con forma de tarjeta y esquinas muy redondeadas / La barra de título solo tiene dos estados, desplegado y plegado, y nunca se detiene en una altura intermedia / En el tema oscuro el fondo pasa a negro puro y encima solo se posa el acento azul

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XrossMediaBar (XMB) — Tatcher, XMB en un Sony BRAVIA, 2010 — Wikimedia Commons / CC BY-SA 3.0XrossMediaBar (XMB) — CommandProMC, XMB en un Sony BRAVIA KDL, 2022 — Wikimedia Commons / CC0

XrossMediaBar (XMB)

クロスメディアバー / 2003–2013 / Composición / Lenguajes de pantalla

El lenguaje de interfaz que Sony registró con el nombre XMB para sus consolas y televisores. Como dice el manual oficial, la fila horizontal reúne las categorías de funciones y la columna vertical lo que se puede hacer dentro de cada categoría, y solo el punto donde ambas se cruzan se enciende en dorado para señalar dónde estás. Todo lo demás duerme en azul pálido sobre un fondo oscuro.

Una fila horizontal y una columna vertical se cruzan algo a la izquierda del centro y solo el elemento del cruce brilla en dorado / El nombre escrito aparece únicamente en el elemento seleccionado y el resto de la fila queda en iconos / El fondo es un azul marino casi negro y los iconos son trazos finos de azul pálido en lugar de formas rellenas / La cruceta mueve las categorías a izquierda y derecha y los elementos arriba y abajo, pero lo que se desplaza son las filas mientras el cruce se queda quieto

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Magic Cap — Josh Carter, Sony Magic Link, 2010 — Wikimedia Commons / CC BY-SA 3.0Magic Cap — Blake Patterson, Sony Magic Link en uso, 2010 — Wikimedia Commons / CC BY 2.0Magic Cap — Blake Patterson, Motorola Envoy, 2010 — Wikimedia Commons / CC BY 2.0

Magic Cap

マジックキャップ / 1994–1998 / Imaginario / Lenguajes de pantalla

El lenguaje de pantalla que General Magic puso en sus terminales portátiles de comunicación. No imita objetos sino un lugar, empieza en un escritorio con un teléfono, un Rolodex y un bloc de notas, y desde ahí un pasillo lleva a la sala de juegos o al almacén. Todo lo que se puede tocar está dibujado, y quedó registrado que mucha gente empezó a usarlo sin leer el manual.

Una pantalla inicial donde un teléfono, un Rolodex, un bloc de notas y un calendario descansan sobre un escritorio / Un reloj de pared, las bandejas de entrada y salida y un archivador dibujados en la pared detrás de ese escritorio / El paso de una habitación a otra ocurre por un pasillo que también está amueblado y con cuadros colgados / Dibujos de línea sobre una pantalla de grises gruesos, tocados directamente con un lápiz en lugar de con el dedo

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GOV.UK Design System — GDS Transport compuesto en la página de inicio de GOV.UK, 2025 — Wikimedia Commons / Public domain

GOV.UK Design System

GOV.UK デザインシステム / 2012– / Estilo / Lenguajes de pantalla

El lenguaje de diseño que el Government Digital Service del gobierno británico publica y mantiene para los servicios públicos. Todo va en una sola columna alineada a la izquierda y sin adornos, compuesta en GDS Transport, y el botón verde conserva las esquinas rectas y gana grosor con una banda de verde más oscuro en su borde inferior, hundiéndose exactamente ese grosor al pulsarlo. Lo que tiene el foco del teclado se vuelve amarillo con una raya negra debajo.

Una sola columna alineada a la izquierda y sin adornos, casi sin recuadros y sin sombras / Un botón verde de esquinas rectas con una banda de verde más oscuro en el borde inferior, que se hunde justo esa profundidad al pulsarlo / Lo que tiene el foco del teclado se vuelve amarillo con una raya negra trazada debajo / Los tamaños de letra saltan de 48 a 36, 24, 19 y 16px sin nada intermedio

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Scrollytelling — interpretación generada por IA
Interpretación de IA, no una referencia

Scrollytelling

スクロールテリング / 2012– / Composición / Lectura en la web

Una forma de página web en la que la posición de lectura marca el avance del relato. Los gráficos, los mapas y el vídeo se relevan a medida que se desplaza la página y vuelven atrás en el mismo orden si el lector sube. La investigación la ha ordenado como la versión web del reportaje largo, y su hilo es o bien recto o bien elástico, de modo que solo baja a mayor profundidad quien lo desea.

Un gráfico que se queda quieto en la pantalla mientras una sola columna estrecha de texto pasa por encima / Los cambios se hacen con la opacidad y con el movimiento del mapa, así que al subir se deshacen en el mismo orden / Fotografía, vídeo y gráficos de datos conviviendo dentro de un mismo artículo / El recorrido es recto o se abre en un desvío opcional más profundo del que se vuelve

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Infinite Canvas — Scott McCloud, The Right Number, 2003 — Wikimedia Commons / Public domain

Infinite Canvas

インフィニット・キャンバス / 2000– / Composición / Lectura en la web

El nombre que Scott McCloud dio en Reinventing Comics, en 2000, a una manera de maquetar el cómic en la web. La pantalla se entiende como una ventana y no como una página, de modo que las viñetas se colocan sobre una única superficie que se extiende sin fin. Como es un medio que mide el tiempo con el espacio, la distancia entre viñetas se convierte en el ritmo del relato.

Una superficie mucho más alta o más ancha que cualquier formato de papel, sin un solo salto de página / El relato se frena donde las viñetas se separan y se acelera donde se aprietan / Series de viñetas que bajan como una escalera o giran en espiral, disposiciones que una página no podría sostener / Una viñeta que multiplica por decenas el tamaño de la vecina, un margen que ningún formato fijo permitiría

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Webtoon (Vertical-Scroll Comics) — Webtoon de segunda generación en una sola columna vertical, 2014 — Wikimedia Commons / CC BY-SA 4.0

Webtoon (Vertical-Scroll Comics)

ウェブトゥーン（縦スクロール漫画） / 2003– / Composición / Lectura en la web

Una maquetación de cómic nacida en los portales coreanos que corre por una sola columna vertical. El blanco entre viñetas deja de ser una simple separación y se vuelve materia, porque su longitud indica el tiempo transcurrido o el cambio de escena y además carga con el color de fondo, la lluvia que cae e incluso los diálogos sacados del cuadro. Como el lector no puede espiar lo que viene, el tiempo del relato avanza solo lo que él desplaza.

Las viñetas se alinean en una sola columna vertical y no hay adónde mover los ojos de lado / El blanco entre viñetas se hace más largo que las propias viñetas y aloja color de fondo, lluvia que cae o diálogos / Una sola viñeta unas ocho veces más alta que ancha, que necesita varios desplazamientos para verse entera / Todo a color desde el principio, dibujado a un ancho fijo ajustado al de la pantalla

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Explorable Explanations — Vi Hart y Nicky Case, Parable of the Polygons, 2014 — Wikimedia Commons / CC0Explorable Explanations — Nicky Case, To Build a Better Ballot, 2016 — Wikimedia Commons / CC0Explorable Explanations — Piotr Migdał, Virtual Lab by Quantum Flytrap, 2024 — Wikimedia Commons / CC BY-SA 4.0

Explorable Explanations

エクスプローラブル・エクスプラネーション / 2011– / Técnica / Lectura en la web

El nombre que Bret Victor dio, en un artículo de marzo de 2011 con ese mismo título, a una escritura que incrusta un modelo en marcha dentro de la prosa. Las cifras del texto corriente llevan un subrayado de puntos y, al agarrarlas y moverlas, la frase que sigue y la figura de al lado se reescriben a la vez. Así el lector puede sacudir por sí mismo los fundamentos de lo que se afirma.

Las cifras dentro del texto corriente se apoyan en un subrayado de puntos y se vuelven azules al tocarlas / Arrastrar una de esas cifras reescribe a la vez la frase siguiente y la figura contigua / Las figuras no quedan aisladas en un recuadro aparte, sino que siguen el hilo entre un párrafo y otro / Sin tocar nada la pieza se lee igual, porque los valores iniciales ya dan sentido a las figuras

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FUI (Fantasy User Interface) — Panel LCARS de Star Trek: Voyager, fotografiado en 2016 — Wikimedia Commons / CC BY-SA 4.0FUI (Fantasy User Interface) — Consola del puente del Enterprise-D de Star Trek: la nueva generación, fotografiada en 2008 — Wikimedia Commons / CC BY-SA 2.0

FUI (Fantasy User Interface)

架空ユーザーインターフェース / 1997– / Estilo / Estilos de interfaz

El nombre que quedó adherido al oficio de crear las pantallas que aparecen dentro de las películas. Se difundió en torno al trabajo de Mark Coleran, quien reconoce que se le atribuye el término sin estar seguro de poder reclamarlo, y que describe estas pantallas como ilustración y recurso narrativo que nunca se pensó para ser usado. Trabaja con luz, forma, volumen, movimiento y sonido para que cada pantalla tenga una sola cosa que el público deba leer.

Una sola cosa por pantalla destinada a ser leída, mientras todo lo demás está presente como densidad / Columnas de cifras monoespaciadas que se actualizan sin parar sin calcular nada / Líneas finas y luminosas sobre negro, con formas dibujadas como contornos y casi sin relleno / Marcos y mandos que parecen equipo verosímil en lugar de pura abstracción

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Diegetic UI — Three One Zero, ADR1FT, 2014 — Wikimedia Commons / CC BY-SA 3.0

Diegetic UI

ダイエジェティックUI / 2009– / Técnica / Estilos de interfaz

Nombre que recibe el rincón del diseño de interfaces de juego en el que un elemento pertenece a la vez a la ficción y al espacio tridimensional. Una tesis de máster de 2009 en la Chalmers University of Technology, escrita junto a EA DICE, situó la interfaz de juego sobre esos dos ejes y reservó la palabra para ese rincón. La salud que brilla en el propio traje del protagonista es el caso típico.

La salud o la munición aparecen en el propio equipo del protagonista y no en una esquina de la pantalla / Un mapa que el personaje sostiene y lee mientras camina, en lugar de una capa que detiene el juego / Paneles de información proyectados en el aire que se inclinan con la cámara porque ocupan el espacio / Las indicaciones de rumbo se dan con el color de una señal plantada en el propio mundo

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1-Bit Icon Design — Escritorio de Macintosh System 2 — Wikimedia Commons / CC01-Bit Icon Design — Susan Kare, Sad Mac — Wikimedia Commons / Public domain

1-Bit Icon Design

1ビットアイコン / 1982–1990s / Técnica / Estilos de interfaz

La manera de dibujar iconos usando solo blanco y negro que Susan Kare estableció para el Macintosh. Resolvía cada diseño sobre papel cuadriculado, con un cuadro por píxel, y reformulaba las órdenes como objetos corrientes, unas tijeras para cortar y una papelera para borrar, de modo que el conjunto se leyera sin rótulo en cualquier país. Su cuaderno de bocetos forma parte hoy de la colección de un museo.

Solo dos valores, blanco y negro, y el gris sustituido por un damero de puntos alternos / Un contorno de un píxel que cierra cada forma, y un interior que o es macizo o es de puntos, nunca degradado / Objetos corrientes, unas tijeras, una papelera, una hoja de papel, ocupando el lugar del nombre de la orden / Se ve el rastro de un punto colocado por cuadro de la retícula, así que las diagonales se quiebran en escalones

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HyperCard Stack — Karl Baron, editor de scripts HyperTalk en un Macintosh Plus, 2008 — Wikimedia Commons / CC BY 2.0

HyperCard Stack

ハイパーカードのスタック / 1987–2004 / Composición / Retro digital

Pilas de pantallas hechas y repartidas por aficionados, dibujadas a un bit en negro sobre blanco. Una sola ficha ocupa la pantalla en lugar de una página, imagen y texto quedan pegados en la misma superficie, y una fila de pequeños botones con iconos en el borde inferior salta a otra ficha o a otra pila.

Una sola ficha ocupando la pantalla, sin el gesto de pasar página / Dibujo de un bit, negro sobre blanco, donde los grises y las fotografías llegan como tramas de puntos / Una fila de pequeños botones cuadrados con iconos apretada contra el borde inferior de la ficha / Imagen y texto compartiendo una misma superficie, con el campo de entrada marcado por una sola línea

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Winamp Skin — interpretación generada por IA
Interpretación de IA, no una referencia

Winamp Skin

Winampスキン / 1997–2005 / Estilo / Retro digital

Caras de reproductor dibujadas y repartidas por aficionados. Se tira el marco rectangular de la ventana para imitar el frente de un equipo de audio de sobremesa, y hasta las cifras y las letras se dibujan como imágenes de mapa de bits alineadas en una sola lámina.

Un contorno no rectangular que imita el frente de un equipo de audio de sobremesa / Cifras y letras alineadas en una sola lámina como diminutos mapas de bits de ancho fijo / Reflejos metálicos y pantallas encendidas hechos con la colocación de los puntos y no con degradados / Tres ventanas, reproductor, ecualizador y lista, que se imantan y forman un solo aparato en vertical

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Minitel Service Screen — Bernard Marti, terminal videotex de Thomson usado en el ensayo Télétel de Vélizy, 1980 — Wikimedia Commons / CC BY 3.0Minitel Service Screen — Bernard Marti, Minitel mostrando una página de fotovideotex, 1984 — Wikimedia Commons / CC BY-SA 2.0 FRMinitel Service Screen — Bernard Marti, terminal Minitel mostrando japonés, 1986 — Wikimedia Commons / CC BY-SA 2.0 FR

Minitel Service Screen

ミニテルのサービス画面 / 1980–2012 / Composición / Retro digital

Una página de servicio hecha para caber en un terminal de retícula y resolverse dentro de una sola pantalla. El nombre del servicio va en el borde superior, las opciones bajan en una columna y se eligen tecleando un número, y los titulares y las imágenes se arman con bloques gruesos que parten la celda.

Una banda con el nombre del servicio en el borde superior, y debajo las opciones numeradas en una sola columna / Titulares e imágenes hechos con bloques que parten una celda en tres a lo alto y dos a lo ancho / Solo ocho colores saturados, sin colores intermedios ni degradados / El lugar donde se teclea marcado por una banda en vídeo inverso, con el énfasis reducido a la inversión y el subrayado

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Cyberfeminism — Old Boys Network, 100 Anti-Theses of Cyberfeminism, 1997 — Wikimedia Commons / CC BY 4.0

Cyberfeminism

サイバーフェミニズム / 1991–2000s / Imaginario / Arte digital

Un movimiento que el colectivo australiano VNS Matrix reclamó para sí en 1991, y cuyo nombre la teórica Sadie Plant empezó a usar por su cuenta en Gran Bretaña en ese mismo momento. Su manifiesto viajó por fax, por correo, como cartel encolado, como valla publicitaria y como mensaje en red. Frente a una cultura informática que quería dejar atrás el cuerpo, devolvió al centro la baba y el sexo.

Líneas de palo seco muy gruesas deformadas sobre un abombamiento esférico, cada una a un cuerpo distinto / Una hoja a dos tintas, negro sobre rosa pálido, con un círculo blanco calado en el centro / Un borde embaldosado de formas orgánicas parecidas a ojos, orladas de pelos radiales / El nombre del grupo incrustado como una línea más del texto en lugar de firmado al pie

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Chinese Blue-and-White Porcelain — Fuente de borde lobulado en azul y blanco con rocas, plantas floridas y melones, dinastía Yuan, siglo XIV — Wikimedia Commons / CC0Chinese Blue-and-White Porcelain — Tibor de azul y blanco con decoración floral, dinastía Yuan, siglo XIV — Wikimedia Commons / CC0Chinese Blue-and-White Porcelain — Jarrón de azul y blanco con roleos vegetales, hornos de Jingdezhen, dinastía Ming, era Yongle, 1403-1424 — Wikimedia Commons / CC BY-SA 3.0

Chinese Blue-and-White Porcelain

青花（中国の染付） / 14th century– / Estilo / Estilos cerámicos

Un sistema de decoración bajo cubierta en el que el óxido de cobalto se pinta con pincel sobre una pasta blanca de porcelana, se cubre con vidriado transparente y se cuece. Nació cuando los hornos de Jingdezhen, en Jiangxi, añadieron caolín a la pasta durante la dinastía Yuan y cambiaron la cocción. Como la paleta se reduce a un solo color, toda la gradación del dibujo sale de la intensidad de la aguada y de las reservas en blanco.

Un solo azul sobre fondo de porcelana blanca, sin que aparezca ningún otro color / El contorno se traza en azul denso y su interior se rellena con aguadas claras que gradúan como una pintura a la tinta / Sobre un fondo pintado de azul saturado, los motivos quedan reservados en el blanco de la pasta / Como el dibujo queda bajo el vidriado, la pincelada no forma relieve y la superficie brilla lisa

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Famille Rose — Cuenco de famille rose con roleos de loto, dinastía Qing, era Qianlong, 1736-1795 — Wikimedia Commons / CC BY 4.0Famille Rose — Tibor de famille rose con tapa, dinastía Qing, era Qianlong, 1736-1795 — Wikimedia Commons / CC0Famille Rose — Plato de exportación con Guillermo V de Orange y su esposa, hacia 1770 — Wikimedia Commons / CC0

Famille Rose

粉彩（ファミーユ・ローズ） / 1720s– / Estilo / Estilos cerámicos

Un estilo de porcelana con esmaltes sobre cubierta nacido en China y sostenido por un color opaco que va del rosa al rosa violáceo. Ese pigmento es la púrpura de Casio, obtenida de oro coloidal, y llegó a China con los jesuitas hacia 1685. Alcanzó su cima en el reinado de Yongzheng y después se produjo sobre todo para la exportación a Europa.

Un esmalte opaco que va del rosa al rosa violáceo es el color más fuerte de la pieza / Al ser opaco el esmalte, la porcelana blanca no se transparenta y el color se posa entero sobre la pieza / Pintado sobre el vidriado, el brillo cambia entre la zona decorada y la reserva de porcelana blanca / El mismo estilo aparece en piezas francesas, alemanas e inglesas, y el origen solo se reconoce por la pincelada

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Blanc de Chine — Guanyin en pie de porcelana blanca, hornos de Dehua, segunda mitad del siglo XVII — Wikimedia Commons / CC0Blanc de Chine — Bote para pinceles de porcelana blanca con grullas y lotos, hornos de Dehua, siglos XVII-XVIII — Wikimedia Commons / Public domainBlanc de Chine — Tetera de porcelana blanca, hornos de Dehua, hacia 1690-1720 — Wikimedia Commons / CC BY-SA 2.0 UK

Blanc de Chine

ブラン・ド・シーヌ（徳化白磁） / Ming dynasty– / Estilo / Estilos cerámicos

El nombre de blanco de China que los coleccionistas europeos dieron a la porcelana blanca cocida en los hornos de Dehua, en Fujian. No lleva pintura alguna, de modo que todo se confía a un vidriado espeso que va del lechoso al azulado y a cuerpos sacados de molde a los que se añaden a mano los detalles. Las figuras de Guanyin y las copas que copian el cuerno de rinoceronte se volvieron sus piezas más representativas.

No hay pintura en ninguna parte y la superficie se mantiene en un solo blanco / Un vidriado espeso que oscila del blanco lechoso al azulado y deja pasar la luz donde adelgaza / Quedan las juntas donde los dedos y los pliegues del ropaje, modelados aparte, se aplicaron sobre un cuerpo de molde / Copas de boca ancha y base estrecha, que trasladan a la porcelana la forma de un cuerno cortado en rodaja

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Goryeo Celadon — Maebyeong de celadón con nubes y grullas incrustadas, dinastía Goryeo, siglo XIII — Wikimedia Commons / CC BY-SA 3.0Goryeo Celadon — Aguamanil de celadón en forma de melón con crisantemos incrustados, dinastía Goryeo, siglo XII — Wikimedia Commons / CC0Goryeo Celadon — Cuenco de celadón con decoración estampada e incrustada, dinastía Goryeo, 1150-1200 — Wikimedia Commons / CC BY-SA 2.0 UK

Goryeo Celadon

高麗青磁 / 918–1392 / Estilo / Estilos cerámicos

El estilo de celadón producido en Corea durante la dinastía Goryeo. Sobre una pasta blanco grisácea con algo de hierro se aplica un vidriado translúcido que va del verde al azulado, y su mejor tono recibió el nombre de bisaek. Como el vidriado deja pasar la vista, los motivos incrustados con arcilla blanca y roja en los surcos tallados parecen emerger desde debajo del agua.

Sobre una pasta blanco grisácea se extiende un vidriado translúcido que va del verde al azulado / Las líneas incrustadas de arcilla blanca y roja en los surcos tallados se ven hundidas bajo el vidriado / El grabado, el relieve y el calado se emplean juntos en una misma pieza / Sobre el fondo verde aparecen, en poca cantidad, toques pardo negruzcos o rojos pintados con pigmentos de hierro o de cobre

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Buncheong — Tibor de buncheong con peonías en esgrafiado, dinastía Joseon, segunda mitad del siglo XV — Wikimedia Commons / CC0Buncheong — Botella de buncheong en forma de fardo con roleos pintados en óxido de hierro, dinastía Joseon — Wikimedia Commons / Public domainBuncheong — Fuente de buncheong con crisantemos y motivo de carey estampados e inscripción «Naeseom», dinastía Joseon, mediados del siglo XV — Wikimedia Commons / CC0

Buncheong

粉青沙器 / 14th–16th century / Estilo / Estilos cerámicos

Cerámica coreana cuya pasta gris azulada se cubre de engobe blanco, y cuyo nombre abrevia una expresión empleada por el historiador del arte Go Yuseop. Se divide según cómo llega el engobe, por incrustación, estampado, esgrafiado, pintura de hierro, brocha y baño, y la desigualdad de la capa blanca junto con la carrera de la brocha dan a cada pieza un rostro distinto.

El engobe blanco cubre una pasta gris azulada, y la desigualdad de la capa es el propio dibujo / En las piezas de brocha, las huellas de las cerdas corren en una sola dirección y quedan como una banda blanca / En las piezas estampadas, pequeños crisantemos impresos sin holgura se rellenan de arcilla blanca y forman hileras de puntos blancos / En las piezas bañadas, la altura hasta la que entraron en el engobe deja una sola línea, y por debajo asoma el gris de la pasta

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Kakiemon — Plato esmaltado de estilo Kakiemon, Arita, hacia 1675-1725 — Wikimedia Commons / Public domainKakiemon — Tibor hexagonal con aves y flores esmaltadas, cerámica de Imari, estilo Kakiemon, período Edo, siglo XVII — Wikimedia Commons / Public domainKakiemon — Niño sentado sobre un tablero de go, estilo Kakiemon, hacia 1680 — Wikimedia Commons / CC0

Kakiemon

柿右衛門様式 / 17th century– / Estilo / Estilos cerámicos

Un estilo en el que la porcelana blanca cocida en Arita, en Hizen, recibe esmaltes rojos, verdes y azules aplicados sobre el vidriado. El nombre viene de la familia de decoradores a la que se atribuye haber llevado el esmaltado sobre cubierta a Arita en la década de 1640. Se deja sin pintar buena parte del cuerpo blanco y la pintura se desplaza hacia un lado.

Como el esmalte va sobre el vidriado, solo la zona pintada sobresale un poco y devuelve la luz / Líneas finas de rojo, verde y azul con oro dibujan ciruelo, bambú, aves y figuras / La superficie blanca ocupa más que la pintura, y el motivo se corre a un borde dejando el centro vacío / Además de vajilla hay figuras de personas y de elefantes, pintadas con los mismos esmaltes y el mismo oro

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Oribe Ware — Cuenco cuadrado Oribe, cerámica de Mino, período Edo, siglo XVII — Wikimedia Commons / Public domainOribe Ware — Plato Oribe de borde lobulado, hornos de Mino, del período Momoyama al inicio del Edo, siglo XVII — Wikimedia Commons / CC0Oribe Ware — Cuenco de té Oribe, Japón, siglo XVII — Wikimedia Commons / CC0

Oribe Ware

織部 / Momoyama period– / Estilo / Estilos cerámicos

Un estilo de gres cocido en los hornos de Seto y Mino desde el periodo Momoyama hasta los primeros años Tokugawa, centrado en los utensilios de la ceremonia del té. La superficie queda áspera y los vidriados son pocos y de color cálido. El verde de cobre cubre solo una parte de la pieza, y sobre la pasta reservada se dibujan motivos con hierro.

El verde de cobre cubre una sola cara de la pieza y el límite entre lo vidriado y lo reservado queda como una línea / Sobre la pasta sin vidriar se pintan a pincel líneas y motivos geométricos con pigmento de hierro / La superficie es áspera y nunca alcanza la lisura de la porcelana / Bastan pocos colores, el verde del vidriado, el gris blanco cálido de la pasta y el pardo negruzco del hierro

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Raku Ware — Hon'ami Kōetsu, cuenco de té de raku blanco llamado Fujisan, siglo XVII — Wikimedia Commons / Public domainRaku Ware — Cuenco de té de raku negro, siglo XVII — Wikimedia Commons / CC0Raku Ware — Cuenco de té de raku rojo, siglo XVII — Wikimedia Commons / CC0

Raku Ware

楽焼 / 16th century– / Estilo / Estilos cerámicos

Cerámica cocida a baja temperatura y sacada del horno con tenazas mientras aún está caliente para enfriarse al aire libre. El vidriado de plomo no llega a correr del todo y se acumula espeso, y la pasta queda blanda y porosa, de modo que dos piezas de una misma hornada no tienen la misma superficie. El proceso nacido en Japón dio después nombre a una técnica que persigue ese mismo efecto.

Un vidriado que se acumula espeso y se encoge hasta detenerse antes del borde / Un craquelado fino, nacido del enfriamiento brusco, recorre toda la superficie vidriada / En el pie y en la base sin vidriar, la pasta blanda queda a la vista tal cual / Aun saliendo del mismo horno, cada pieza lleva las manchas de color en otro sitio y en otra medida

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Istoriato — Taller de Urbino, plato con pie con Abraham e Isaac, siglo XVI — Wikimedia Commons / CC0Istoriato — Plato con Eco, Amor y Narciso, 1535 — Wikimedia Commons / CC BY-SA 2.0Istoriato — Leonardo Bettisi, jarrón de dos asas, siglo XVI, Faenza — Wikimedia Commons / CC BY-SA 3.0

Istoriato

イストリアート / c. 1500– / Estilo / Estilos cerámicos

Un estilo italiano que trata toda la cara de un plato de mayólica como una sola pintura y lleva en color hasta el borde escenas históricas, mitológicas, bíblicas o alegóricas. Apareció hacia 1500 y se difundió unido a Urbino. La pieza deja de ser un objeto decorado y se convierte en el soporte de un cuadro.

La escena corre sin interrupción del fondo del plato al borde, sin que ninguna cenefa la separe / Sobre un fondo de vidriado estannífero blanco se pinta en amarillo, azul, verde y pardo / Las figuras se sitúan en un paisaje o una arquitectura en profundidad, y la composición de la pintura pasa tal cual a la loza / La escena no se corta en la curva del borde y la imagen se deforma siguiendo el volumen de la pieza

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Talavera Poblana — Tibor de Talavera, siglo XVIII, Museo Franz Mayer — Wikimedia Commons / CC BY-SA 3.0Talavera Poblana — Lebrillo de Talavera de la época colonial, Museo Franz Mayer — Wikimedia Commons / CC BY-SA 3.0Talavera Poblana — Placa de azulejos de Talavera de la Casa de la China Poblana, Puebla — Wikimedia Commons / CC BY-SA 4.0

Talavera Poblana

タラベラ・ポブラーナ / 16th century– / Estilo / Estilos cerámicos

La loza que resultó de rehacer en Puebla la cerámica española de vidriado estannífero, pintada sobre una gruesa capa de vidriado blanco lechoso. Toma prestadas las composiciones en un solo azul de la porcelana china llegada por el Pacífico y les mezcla imágenes locales como el águila bicéfala y el quetzal, y en eso se aparta de la mayólica de la que procede.

Un vidriado blanco lechoso y espeso cubre toda la pieza y forma un resalte allí donde se acumula, en el borde y junto al pie / Un friso de compartimentos pintado en un solo azul divide el borde en secciones menudas y lo recorre entero / Entre flores y rocas de gusto chino se cuela una sola imagen local, un águila bicéfala o un quetzal / Los azulejos repiten un mismo dibujo para cubrir el muro entero, y ninguno lleva la misma presión de pincel

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Studio Pottery — Hans Coper, jarrón en forma de pala, 1968 — Wikimedia Commons / CC0Studio Pottery — Hamada Shōji, cuenco de té con vidriado ámbar y decoración peinada — Wikimedia Commons / CC BY-SA 3.0Studio Pottery — Lucie Rie, jarrón, 1971 — Wikimedia Commons / CC BY-SA 3.0

Studio Pottery

スタジオ・ポタリー / 1920s– / Estilo / Estilos cerámicos

Una cerámica en la que, fuera de la fábrica y en el taller propio, una sola persona lleva la pieza del modelado al vidriado y a la cocción. Surgió dentro del renacimiento artesanal de comienzos del siglo XX, y su rechazo de la producción mecánica se lee sin más en la forma y en la superficie. El horno abierto en 1920 en Saint Ives, en Cornualles, se convirtió en su centro.

Quedan a la vista las estrías del torno y las juntas del churro y de la plancha, sin alisarlas / Vidriados de alta temperatura de ceniza, celadón y tenmoku, con el pardo negruzco y el verde grisáceo volviendo una y otra vez / Los vidriados de rojo de cobre y de púrpura corren dentro del horno y quedan en la pared como vetas no previstas / Bajo el vidriado blanco se tallan líneas finas rellenas de engobe de color, y solo el borde y el pie reciben otro vidriado

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Cloisonné — Panel de cloisonné con dragones, dinastía Ming, finales del siglo XVI–inicios del XVII, The Metropolitan Museum of Art — Wikimedia Commons / CC0Cloisonné — Namikawa Yasuyuki, jarrón de cloisonné con mariposas y crisantemos, hacia 1900–1910 — Wikimedia Commons / CC0Cloisonné — Muestrario del proceso de la técnica del cloisonné, siglo XIX, Japón, Los Angeles County Museum of Art — Wikimedia Commons / Public domain

Cloisonné

七宝（クロワゾネ） / ancient– / Técnica / Técnicas de vasija y artesanía

Técnica en la que se levantan finas cintas de metal para formar tabiques y en cada celda se funde un esmalte vítreo que luego se cuece. Los tabiques sobreviven a la cocción como líneas de metal, de modo que toda superficie de color queda cerrada por una línea. El Getty la clasifica como proceso y no como estilo.

Toda superficie de color está cercada por una línea metálica fina, y las líneas dividen el dibujo entero sin interrumpirse. / No hay ningún punto donde dos colores se mezclen entre sí. / Solo las líneas devuelven el brillo del metal, distinto al del esmalte. / El soporte es metal o porcelana, así que el dibujo envuelve la curva de un recipiente en lugar de posarse sobre un panel plano.

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Kintsugi — Cuenco de té ko-Karatsu reparado con kintsugi — Wikimedia Commons / CC BY 2.0Kintsugi — Aguamanil de celadón de Goryeo reparado con kintsugi, hacia 1100–1150 — Wikimedia Commons / CC BY-SA 2.0 UKKintsugi — Tapa de tetera reparada con kintsugi — Wikimedia Commons / CC BY-SA 4.0

Kintsugi

金継ぎ / 15th century– / Técnica / Técnicas de vasija y artesanía

Kintsugi es la manera japonesa de reparar cerámica rota con laca urushi y oro o plata, de modo que la costura se muestra en lugar de esconderse. El Getty lo sitúa bajo los procesos de restauración, como una forma de remiendo y no como un estilo. La rotura decide por dónde corren las líneas de metal, así que una misma pieza nunca da dos veces el mismo dibujo.

Líneas finas de oro o de plata que siguen exactamente la rotura. / Un grosor de línea que varía y se ensancha hasta formar superficies donde faltaba un fragmento. / Un asomo de laca oscura en el borde del metal. / Líneas de metal que cruzan la decoración pintada original de la pieza sin atender a ella.

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Maki-e — Nakayama Komin, recipiente para dulces con decoración maki-e de jaulas de insectos, siglo XIX, Tokyo National Museum — Wikimedia Commons / Public domainMaki-e — Bandeja alta con decoración maki-e de fénix y paulonia, periodo Edo, siglo XVIII, Tokyo National Museum — Wikimedia Commons / CC0Maki-e — Botella de sake en forma de calabaza con decoración maki-e del blasón aoi, periodo Edo, siglo XVIII — Wikimedia Commons / CC0

Maki-e

蒔絵 / Heian period– / Técnica / Técnicas de vasija y artesanía

Nombre general de un conjunto de técnicas japonesas de decoración en las que se espolvorea oro, plata o pigmento en polvo sobre la laca todavía húmeda para fijar el dibujo. El nombre significa imagen espolvoreada, y en el periodo Heian pasó a ser el modo principal de decorar la laca. El degradado no nace de mezclar color, sino del grosor del polvo y de la densidad con que cae.

Imágenes de oro que parecen hundirse por debajo de la superficie de una laca negra. / El mismo oro se lee como grano visible donde el polvo es grueso y como lámina lisa donde es fino. / Los bordes del motivo se levantan por un cambio de densidad del polvo y no por un trazo dibujado. / Pequeñas hojas de oro aplicadas como kirikane se mezclan entre lo espolvoreado y forman planos de oro liso.

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Mokume-gane — Hamano Masanobu, guarda de espada (tsuba) con halcón y gorriones, 1836, Walters Art Museum — Wikimedia Commons / Public domainMokume-gane — Mauro Cateb, plancha de mokume-gane (plata, cobre, latón) — Wikimedia Commons / CC BY-SA 3.0Mokume-gane — Mauro Cateb, dos anillos de mokume-gane — Wikimedia Commons / CC BY-SA 3.0

Mokume-gane

木目金 / 17th century– / Técnica / Técnicas de vasija y artesanía

Técnica japonesa que suelda muchas capas de metales de distinto color en un solo bloque y que, al tallarlo y laminarlo, hace aflorar en la superficie unas vetas parecidas a los anillos de un árbol. Las vetas no están dibujadas encima sino que son la sección del apilado, así que ni el limado ni el pulido las borran, y cambiar la forma cambia también el dibujo.

Las vetas se cierran en anillos y remolinos que recuerdan la testa de un tronco. / El cobre rojizo, la plata blanca y las capas oscurecidas quedan uno junto a otro cambiando de color. / Dos piezas del mismo taller y de la misma forma nunca traen la misma veta. / Las vetas no se detienen en el canto y continúan por el espesor de la chapa.

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Cameo Glass — Copa con Baco y Ariadna, Roma, hacia 25 a. C.–25 d. C., Getty Villa — Wikimedia Commons / CC BY-SA 3.0Cameo Glass — Thomas Webb & Sons, jarrón de vidrio camafeo — Wikimedia Commons / CC BY-SA 4.0Cameo Glass — D'Argental, jarrón de vidrio camafeo — Wikimedia Commons / CC BY-SA 4.0

Cameo Glass

カメオ・グラス / Roman era– / Técnica / Técnicas de vasija y artesanía

Vidrio superpuesto en dos o más capas de colores distintos, donde la capa exterior se talla, se corta o se graba hasta hacer surgir la figura. El Getty lo clasifica del lado de los materiales. La imagen no está pintada sino dejada en pie, y el espesor que se conserva es lo que decide su opacidad.

Una imagen clara que se levanta en relieve sobre un fondo más oscuro. / Donde el corte es poco profundo transparenta el color del fondo y la imagen se hunde, y solo lo dejado grueso llega a ser opaco. / El fondo es de un solo color uniforme y todo el rango tonal vive en la imagen. / El contorno lo forma un escalón y no una línea, así que con luz rasante la propia imagen proyecta su sombra.

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Venetian Glass — Copa de esponsales con esmalte y dorado, Venecia, 1475–1500 — Wikimedia Commons / CC BY-SA 2.0 UKVenetian Glass — Cantimplora de peregrino en lattimo (vidrio blanco opaco), Venecia, hacia 1525, Walters Art Museum — Wikimedia Commons / Public domainVenetian Glass — Esfera de vidrio millefiori, Venecia, hacia 1500–1600, Rijksmuseum — Wikimedia Commons / CC BY-SA 4.0

Venetian Glass

ヴェネツィアン・グラス / 13th century– / Estilo / Técnicas de vasija y artesanía

Nombre general del vidrio fabricado en la isla de Murano, en Venecia, y de las formas que ese material impone. El vidrio sódico es ligero y se estira mucho, así que la forma se obtiene estirando, torciendo y aplicando en caliente, y no tallando en frío. Dentro del cuerpo corren el lattimo blanco opaco y la filigrana reticulada, mientras que el acabado llega por encima con dorado y pintura al esmalte.

La pared del recipiente es delgada, y el pie y las asas llegan como líneas finas estiradas. / Hilos de vidrio blanco opaco quedan embebidos en el cuerpo transparente y forman redes y franjas. / Apenas hay talla como la del cristal labrado, y el ornamento se posa encima en dorado y esmalte. / Pequeños discos cortados de varillas con dibujo interior se dispersan por la superficie.

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Biedermeier — Sofá Biedermeier, Austria, hacia 1815–1825, Montreal Museum of Fine Arts — Wikimedia Commons / Public domainBiedermeier — Mesa de labor esférica, Viena, hacia 1815–1820, Montreal Museum of Fine Arts — Wikimedia Commons / Public domainBiedermeier — Interior de época Biedermeier, Landesmuseum für Kunst und Kulturgeschichte Oldenburg — Wikimedia Commons / CC BY-SA 4.0

Biedermeier

ビーダーマイヤー / 1820s–1850s / Estilo / Mobiliario e interiores

Apodo satírico aplicado más tarde al arte y a los interiores de Europa central de la década de 1820 a la de 1850, que acabó quedándose como nombre del estilo. Se lo asocia al gusto de la clase media, y lo caracterizan unas formas francas que evitan el ornamento enrevesado y unos asuntos que retratan con sentimiento a las personas cercanas y a la naturaleza.

Muebles cuyo contorno se queda simple, sin talla ni taracea superpuestas. / En lugar de ornamento, la propia veta de la madera se adelanta al frente. / Los asuntos son personas cercanas y naturaleza, tratados con sentimiento. / Medidas contenidas, hechas para la sala de un ciudadano y no para el salón de un príncipe.

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Chippendale — Silla sin brazos (una de un par), Gran Bretaña, hacia 1755, Metropolitan Museum of Art — Wikimedia Commons / CC0Chippendale — Espejo, Gran Bretaña, 1750–1770, Chazen Museum of Art — Wikimedia Commons / CC0Chippendale — Tocador de estilo Chippendale, hacia 1770, Honolulu Museum of Art — Wikimedia Commons / CC0

Chippendale

チッペンデール / 1750s–1760s / Estilo / Mobiliario e interiores

Estilo del mueble inglés de las décadas de 1750 y 1760. Como talleres de muchos lugares trabajaron sobre los diseños del ebanista Thomas Chippendale, el nombre de una persona pasó a ser el del estilo. La armazón sigue siendo rococó, y el calado y la talla ornamental se concentran en el respaldo y en las patas.

El respaldo no es una tabla maciza sino un calado, así que se ve a través de él. / La talla se agolpa en los cantos y en las patas, y apenas queda superficie lisa. / Curvas de origen rococó recorren patas y copete, y ningún ángulo se corta en recto. / La talla no es un adorno pegado encima sino que sale del espesor de la madera.

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Empire Style — Taller Jacob, silla de Joséphine con brazos en forma de cisne, hacia 1804, Château de Malmaison — Wikimedia Commons / CC0Empire Style — Lecho ceremonial para Talleyrand, hacia 1805 — Wikimedia Commons / CC BY-SA 4.0Empire Style — Jacob-Desmalter, joyero de la emperatriz Joséphine, 1809, Musée du Louvre — Wikimedia Commons / CC BY-SA 4.0

Empire Style

アンピール様式 / 1804–1814 / Estilo / Mobiliario e interiores

Estilo de interiores y muebles que se extendió desde Francia hacia otros países durante el imperio napoleónico, con grandes superficies lisas sobre las que se clavan herrajes dorados como puntos. Patas de león, cabezas de esfinge alada, lotos y rosetones circulares se alinean por parejas, y esa disposición simétrica lo hace parecer más pesado que el neoclasicismo anterior.

Sobre planos lisos de caoba, los herrajes dorados se clavan como puntos a intervalos regulares. / La pata delantera termina abajo en garra de león y arriba en cabeza de esfinge alada que sostiene el brazo. / Una hilera de rosetones circulares recorre a igual distancia el travesaño bajo del respaldo. / Las sillas se colocan por parejas iguales, y el asiento y el muro van cubiertos con la misma seda oscura.

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Aesthetic Movement — James McNeill Whistler, The Peacock Room (Armonía en azul y oro), 1876–77, Freer Gallery of Art — Wikimedia Commons / CC BY-SA 4.0Aesthetic Movement — Herter Brothers, gabinete, hacia 1872, Brooklyn Museum — Wikimedia Commons / CC0Aesthetic Movement — Diseño de Bruce James Talbert, ejecución de Gillow & Co., gabinete de salón, 1871–1872, Art Institute of Chicago — Wikimedia Commons / CC0

Aesthetic Movement

唯美主義運動 / 1870s–1880s / Estilo / Mobiliario e interiores

Movimiento británico y estadounidense de las décadas de 1870 y 1880 que atravesó por igual la pintura, el mueble, el textil y la arquitectura. Bajo el lema del arte por el arte, puso el valor autónomo de la belleza por encima de la lección moral, del relato y del peso del asunto. Por eso el ornamento no dice nada y todo se decide en la armonía de la superficie.

Girasoles y lirios que reaparecen con la misma forma en la cerámica, en los tejidos y en la propia habitación. / Una gama tirada hacia el verde oliva y el amarillo, con rojo oscuro y crema montados sobre fondos negros. / Motivos japoneses reducidos a repeticiones planas, con bambú circular, rosetones estilizados y hojas colgantes sobre un fondo de retícula romboidal. / Porcelana china azul y blanca dispuesta en la sala, donde las piezas mismas cuentan como parte de la decoración.

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Craftsman Style — Gustav Stickley (United Crafts), sillón, 1901, Art Institute of Chicago — Wikimedia Commons / CC BY 3.0Craftsman Style — Greene and Greene, conjunto de muebles de comedor, 1908, Indianapolis Museum of Art — Wikimedia Commons / Public domainCraftsman Style — Bungaló de estilo Craftsman, 1915, Marshfield, Wisconsin — Wikimedia Commons / CC0

Craftsman Style

クラフツマン様式 / 1870s–1920s / Estilo / Mobiliario e interiores

Estilo de arquitectura, interiorismo y artes decorativas que se difundió en los Estados Unidos desde alrededor de 1870 hasta alrededor de 1925. Continúa el Arts and Crafts inglés al renunciar a la cita de los estilos históricos y elegir la sencillez, pero sus portadores llegaron a incluir a reformadores sociales, educadores y asociaciones de mujeres. Aparece sobre todo en casas pequeñas como el bungalow, donde el material se muestra tal cual.

Las piezas de la estructura, como vigas y jabalcones, quedan a la vista en lugar de forrarse. / No hay capiteles, volutas ni ninguna otra pieza tomada de los estilos históricos. / Funciona a la escala de una casa pequeña como el bungalow y no en una mansión. / La madera y la piedra no se cubren de pintura, así que las superficies se hacen de veta y de color natural.

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Eastlake — Sillón de estilo Eastlake, Missouri History Museum — Wikimedia Commons / Public domainEastlake — Carpintería del porche de la Jane Heath House, Buffalo — Wikimedia Commons / CC BY-SA 4.0Eastlake — Bradford House, San Rafael, California — Wikimedia Commons / CC BY-SA 3.0

Eastlake

イーストレイク様式 / 19th century– / Estilo / Mobiliario e interiores

Nombre dado en los Estados Unidos del siglo diecinueve a un estilo decorativo y arquitectónico ligado a los diseños de mobiliario de Charles Locke Eastlake. El vocabulario del mueble pasa tal cual al edificio, y en la fachada se alinean columnas parecidas a patas de mesa, ménsulas curvas, balaustres torneados y bolas ornamentales caladas con perforaciones circulares.

Columnas que parecen patas de mesa engrosadas. / Ménsulas curvas que se repiten a intervalos iguales bajo aleros y tejadillos de porche. / Balaustres finos torneados que rellenan barandillas y la parte alta del porche. / Bolas caladas con perforaciones circulares puestas donde se cruzan las piezas.

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Política editorial

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