IndexStyle

작품 자체에서 써 내려간 디자인 양식 사전.

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사전

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CoBrA — 카렐 아펠 유리 벽화 (암스테르담 슬로테르파르트 병원) — Wikimedia Commons / CC BY-SA 4.0 · © Ceescamel

CoBrA

コブラ / 1948–1951 / 양식 / 아방가르드

코펜하겐과 브뤼셀, 암스테르담을 잇는 전후 아방가르드다. 아이들 그림과 민속 예술의 직접성을 내걸고 거친 붓질과 원색의 생물들을 그리며, 세련됨에 대한 불신을 하나의 국제 양식으로 만들었다.

아이들 그림의 직접성 / 거칠게 칠한 생물들 / 충돌하는 원색 / 계획을 거부하는 태도

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Emigre — 주자나 리츠코 『Filosofia』 1996 — Wikimedia Commons / CC BY-SA 4.0 · © Kateallalong

Emigre

エミグレ / 1984–2005 / 양식 / 서체 분류

매킨토시가 등장하자마자 디지털의 거칢을 미학으로 바꾸어 놓은 잡지이자 활자 회사. 비트맵 서체, 충돌하는 레이어, 그리고 '읽기 어려움'에 대한 옹호로 1990년대 디자인 논쟁의 한복판에 섰다.

비트맵 서체 / 충돌하는 레이어 / 호마다 하나씩의 실험 / 가독성을 향한 도발

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Modern American Book Jacket — 러스티그 『구토』 표지 (CC BY 2.0) · © Karen Horton, diseño de la cubierta de Alvin Lustig, The New Classics Series publicado por New Directions, c. 1952

Modern American Book Jacket

アメリカ近代ブックジャケット / 1940s–1950s / 양식 / 출판과 편집

러스티그가 뉴 디렉션스에서 세운 재킷 양식. 삽화 대신 기호와 추상으로 내용을 암시해 문학서 표지를 작은 모던 아트로 바꾸고 전후 미국의 북디자인 수준을 끌어올렸다.

내용의 추상적 암시 / 기호와 형태의 구성 / 손글씨와 활자의 병용 / 시리즈 전체의 일관성

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Cubism — Juan Gris 『기타가 있는 정물』 1913 — Wikimedia Commons / Public domain

Cubism

キュビスム / 1907–1925 / 양식 / 아방가르드

대상을 하나의 시점에서 해방시키고, 여러 각도에서 본 면들을 하나의 평면 위에 다시 조립한 회화의 혁명. 분석적 단계의 부서진 면과 낮은 채도의 색, 이어진 종합적 단계의 신문 콜라주와 글자는 20세기 그래픽 디자인에 근본 전제를 주었다. 그림은 현실을 내다보는 창이 아니라 구축의 장이라는 전제다.

동시에 제시되는 복수의 시점 / 면으로 분해된 대상 / 낮은 채도의 흙빛과 회색 계조 / 신문지와 글자의 콜라주

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Socialist Realism — Isaak Brodsky의 레닌 초상 1925 — Wikimedia Commons / Public domain

Socialist Realism

社会主義リアリズム / 1932–1988 / 양식 / 판화와 사회 운동

1934년 국가의 공식 양식으로 규정된 리얼리즘으로, 노동자와 지도자를 이상화된 모습으로 그린다. 아방가르드의 실험을 물리치고 누구나 읽을 수 있는 이미지를 택해, 낮은 시점과 앞으로 나아가는 군중, 밝은 미래의 빛으로 체제의 서사를 반복했다. 국가가 양식을 법령으로 정한 드문 사례로서 중요하다.

영웅화된 노동자의 모습 / 올려다본 기념비적 구도 / 건강한 피부와 밝은 빛 / 앞으로 나아가는 군중

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Lettrism — 『grammeS』 울트라 레트리슴 그룹 기관지 내지 — Wikimedia Commons / CC0

Lettrism

レトリスム / 1946–1970s / 양식 / 실험 타이포그래피

글자를 의미를 나르는 의무에서 풀어 주고 소리와 형태 자체를 작품의 재료로 삼은, 파리에서 태어난 운동. 읽을 수 없는 문자로 뒤덮인 화면에서 기호가 증식하는 하이퍼그라피, 나아가 필름에 직접 낸 긁힘까지, 글자를 물질로 다루는 실험을 넓혔다.

읽을 수 없는 문자로 뒤덮은 화면 / 손글씨와 활자의 혼용 / 기호가 증식하는 하이퍼그라피 / 회화 재료로 다뤄진 글자

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Situationist Graphics — 잡지 『Internationale situationniste』 제1호 1958 — Wikimedia Commons / Public domain

Situationist Graphics

シチュアシオニスト・グラフィックス / 1957–1972 / 레이아웃 / 판화와 사회 운동

전용(détournement)의 실천. 광고와 만화, 영화의 기존 이미지를 가로채 말풍선의 글자만 바꿔 의미를 뒤집는다. 제작비 없이 지배적 이미지를 내부에서 배반하는 이 솜씨는 훗날의 컬처 재밍과 인터넷 밈으로 곧장 이어진다.

글자를 바꿔치기한 차용 이미지 / 만화 칸과 말풍선 / 길게 붙인 이론적 캡션 / 거친 복제의 입자감

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Spatialism — Lucio Fontana 『공간 개념』 Kröller-Müller 미술관 — Wikimedia Commons / Public domain

Spatialism

スパツィアリズモ / 1947–1968 / 양식 / 이탈리아 아방가르드

캔버스를 찢고 뚫어 회화를 2차원의 환영에서 실제 공간으로 열어젖힌 이탈리아의 운동. 절개 뒤의 어둠이 진짜 깊이로 나타나고, 지지체 자체가 작품이 된다. 재료의 표면을 깨는 일을 조형 언어로 만든 선례다.

캔버스의 절개와 구멍 / 단색으로 칠한 화면 / 절개 뒤로 나타나는 어둠 / 지지체 자체의 제시

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Neo-Expressionism — Georg Baselitz 『BDM Gruppe』 2012 — Wikimedia Commons / CC BY-SA 4.0 · © Wamito

Neo-Expressionism

新表現主義 / 1978–1990 / 양식 / 전후 추상회화

미니멀리즘과 개념미술의 금욕에 대한 반동으로 큰 화면과 격렬한 붓질, 역사와 신화의 주제가 되돌아온 국제적 흐름. 거친 데생과 겹겹의 때는 1980년대 음반 재킷과 잡지 레이아웃의 온도로 곧장 흘러 들어간다.

큰 화면과 거친 붓질 / 신화와 역사에서 온 주제 / 탁한 색과 검정의 과감한 사용 / 섞어 넣은 재료와 물리적 두께

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Neo-Geo — Peter Halley 전시 전경(Galería Senda) — Wikimedia Commons / CC BY-SA 4.0 · © Abcd09

Neo-Geo

ネオ・ジオ / 1984–1992 / 양식 / 기하 추상

기하학적 추상과 미니멀리즘의 어휘를 상품 사회의 기호로 다시 인용한 1980년대 뉴욕의 흐름. 매끈한 공업용 도료와 형광색, 기성품의 광택이 추상의 순수함을 소비의 이미지 쪽으로 비껴 놓는다. 비평으로서의 기하학.

공업용 도료의 매끈한 표면 / 형광의 인공적인 색 / 기성품의 광택과 마감 / 도해를 닮은 구성

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Merz — Kurt Schwitters 『Merz 50』 — Wikimedia Commons / Public domain

Merz

メルツ / 1919–1948 / 양식 / 아방가르드

은행 광고에서 오려 낸 한 단어를 깃발로 내건 1인 운동. 차표와 포장지, 찢긴 활자 같은 쓰레기만으로 화면을 구축한다. 폐기물을 건축 자재로 다루는 태도와 활자 조각의 추상적 배치는 콜라주와 잡지 디자인의 어휘를 결정적으로 빚어냈다.

차표와 포장지 같은 폐지의 부착 / 찢긴 활자와 숫자의 조각 / 사선으로 세운 구축의 축 / 낡은 종이의 색

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Neo-Dada — 야크 더 네이스 촬영 로버트 라우션버그와 자신의 작품 (스테델릭 미술관 개인전) 1968년 — Wikimedia Commons / CC0

Neo-Dada

ネオ・ダダ / 1953–1965 / 양식 / 전후 미국 미술

추상표현주의의 내면성에 맞서 일용품과 인쇄물, 박제를 화면으로 끌어들여 예술과 생활의 틈에서 만들고자 한 전후의 흐름. 다다의 손놀림을 이어받으면서 소비사회의 재료 자체를 구성 재료로 삼았다. 팝아트 직전의 분기점.

기성품을 화면으로 끌어들이기 / 인쇄물의 실크스크린 전사 / 회화와 입체의 중간 형태 / 지우고 겹치고 더럽힌 흔적

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Nouveau Réalisme — 장 팅겔리 『파스나흐트 분수』 바젤 — Wikimedia Commons / CC BY-SA 4.0 · © EinDao

Nouveau Réalisme

ヌーヴォー・レアリスム / 1960–1970 / 양식 / 전후 추상회화

1960년 파리에서 ‘현실의 직접적인 획득’을 선언한 집단. 뜯어낸 포스터의 층, 압축한 차체, 집적된 쓰레기가 묘사를 거치지 않고 도시 자체를 작품으로 만든다. 재료를 가공하지 않고 골라낸다는 태도가 이후 아상블라주의 전제를 만들었다.

뜯겨나간 포스터의 층 / 같은 사물의 집적 / 압축된 공업 제품 / 가공하지 않은 재료의 선택

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Funk Art — 로버트 아네슨 『조지 모스코니 상』 — Wikimedia Commons / CC BY 2.0 · © Gary Stevens

Funk Art

ファンク・アート / 1960s–1970s / 양식 / 전후 미국 미술

샌프란시스코 베이 에어리어에서 좋은 취향과 추상의 권위를 일부러 더럽힌 도자와 입체의 운동. 천박한 색, 신체적인 유머, 공예 재료의 의도적인 오용이 미술의 위계 자체를 비웃는다. 거칢을 전략으로 쓰는 설계의 선례.

요란한 유약의 색 / 신체적이고 저속한 모티프 / 공예 재료의 의도적인 오용 / 손맛의 거칢을 남긴 마무리

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Pattern and Decoration — 로버트 쿠슈너 『An Interior Decorated』 — Wikimedia Commons / CC BY 4.0 · © Joycekoz

Pattern and Decoration

パターン・アンド・デコレーション / 1975–1985 / 양식 / 장식

‘장식은 열등하다’는 모더니즘의 전제에 정면으로 이의를 제기한 운동. 이슬람 기하문양과 퀼트, 벽지, 텍스타일의 반복을 큰 화면으로 끌어들여 여성의 손일과 비서구의 양식을 미술의 중심에 놓았다. 장식의 정치성을 다루는 출발점.

전면을 뒤덮는 반복 패턴 / 퀼트와 텍스타일의 인용 / 비서구 문양의 참조 / 가장자리 없는 올오버 구성

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Art Brut — 아돌프 뵐플리 『바다와 섬의 고리』 — Wikimedia Commons / Public domain

Art Brut

アール・ブリュット / 1945– / 양식 / 서브컬처 스타일

미술 교육과 미술 시장의 바깥에서 오직 자기만의 체계에 기대어 만들어진 표현을 가리키기 위해 세워진 개념. 화면을 가득 메우는 반복, 독자적인 문자와 기호, 재료의 철저한 재활용이 공통되게 나타난다. 양식이라기보다 양식이 태어나는 조건의 이름.

여백을 남기지 않는 채움 / 독자적인 문자와 기호의 체계 / 가까운 재료의 철저한 재활용 / 반복으로 자립한 세계

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Estridentismo — 라몬 알바 데 라 카날 『스페인인의 상륙』 — Wikimedia Commons / CC BY-SA 4.0 · © Luis Alvaz

Estridentismo

エストリデンティスモ / 1921–1927 / 양식 / 아방가르드

멕시코에서 혁명 이후의 도시와 전파, 기계를 찬양하며 외쳐진 아방가르드. 목판의 날카로운 선, 비스듬히 달리는 활자, 전선과 안테나의 도상이 잡지와 전단을 통해 짧은 기간에 분출했다. 라틴아메리카 아방가르드가 고유한 속도를 가진 순간.

목판의 날카로운 선 / 비스듬히 흐르는 활자 조판 / 전선·안테나·기계의 도상 / 2도 인쇄의 강한 대비

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453

Antropofagia — 『식인 선언』 1928 — Wikimedia Commons / CC BY-SA 4.0 · © Mrwildeson

Antropofagia

アントロポファジア / 1928–1930s / 세계관 / 브라질 아방가르드

‘식인’을 은유 삼아 유럽 문화를 거부하는 대신 먹어서 자기 피로 만들라고 설파한 브라질의 강령. 혼종을 약점이 아니라 방법으로 긍정하는 태도는 이후 브라질의 디자인과 음악, 건축의 밑바닥에 계속 흐르고 있다.

외래 양식의 의도적인 소화 / 토착 도상과의 혼종 / 거대해진 신체의 모티프 / 원색과 열대의 색역

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Indigenismo — 잡지 『Amauta』 제26호 표지 — Wikimedia Commons / Public domain

Indigenismo

インディヘニスモ / 1920s–1950s / 양식 / 아방가르드

안데스 국가들을 중심으로 원주민의 신체와 의상, 땅을 국민적 주제로 그린 운동. 유럽의 이상적 형상이 아니라 현지의 골격과 색을 기준으로 삼아 회화와 판화, 사진, 건축 장식으로 퍼져 나갔다. 무엇을 아름다움의 기준으로 삼을 것인가라는 물음 자체를 움직였다.

원주민의 신체와 의상 묘사 / 안데스의 흙과 하늘의 색역 / 기념비적인 인물의 양감 / 선콜럼버스기 문양의 인용

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Chicano Art — 치카노 공원 벽화군 (샌디에이고) — Wikimedia Commons / CC BY-SA 4.0 · © Leirbag00

Chicano Art

チカーノ・アート / 1965– / 양식 / 판화와 사회 운동

멕시코계 미국인의 시민권 운동에서 태어난 표현. 벽화와 실크스크린 포스터, 로라이더, 레터링이 하나로 이어진 어휘를 이루고, 아스테카의 도상과 가톨릭 성상, 영어와 스페인어의 혼성 문자가 같은 화면에 놓인다. 운동이 양식을 만들어낸 실례.

벽화의 이야기적 구성 / 아스테카와 가톨릭 도상의 병치 / 두 언어가 섞인 레터링 / 실크스크린의 강한 색면

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Sōsaku-hanga — 야마모토 가나에 『어부』 1904 — Wikimedia Commons / Public domain

Sōsaku-hanga

創作版画 / 1904–1960s / 양식 / 일본 목판화

그림과 새김과 인쇄의 분업을 부정하고 스스로 그리고 스스로 새기고 스스로 찍는다고 선언한 운동. 기술적 완성도보다 작가의 손길을 남기는 쪽을 택했고, 같은 시기의 신판화와는 정반대의 길을 갔다.

새긴 자국을 남기는 거친 선 / 직접 그리고 새기고 찍기 / 일그러짐과 인쇄 얼룩의 허용 / 작가 개인의 주제

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469

Gekiga — AI가 생성한 해석 이미지
AI 해석 이미지(참고 작품 아님)

Gekiga

劇画 / 1957–1970s / 양식 / 일러스트레이션 스타일

어린이용 「만화」와 갈라서기 위해 다쓰미 요시히로가 세운 이름. 가늘고 단단한 선과 짙은 음영, 영화적인 칸 운용으로 성인의 사회성과 폭력을 다루었다. 이후 만화가 다룰 수 있는 주제의 폭을 결정적으로 넓혔다.

가늘고 단단한 묘선 / 강한 명암과 검정 채움 / 영화적인 칸 나누기 / 사실적인 인체와 배경

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488

BeOS Interface — Tullius 『BeOS 화면』 2005년 — Wikimedia Commons / CC BY-SA 3.0 · © The original uploader was Tullius at Norwegian Wikipedia .

BeOS Interface

BeOS インターフェース / 1995–2001 / 양식 / 플랫폼 화면 언어

창의 위쪽 변을 차지하던 제목 표시줄을 버리고 제목의 너비만 한 노란 탭만 올린 Be 사의 화면 언어다. 공식 안내서가 Be 창만의 기능이라고 부르는 그대로, Shift를 누른 채 탭을 옆으로 미끄러뜨릴 수 있어서 창을 겹쳐도 탭만 가로로 나란히 남는다.

맨 앞 창의 탭만 노랗고 다른 창의 탭은 회색 그대로다 / 탭은 창의 너비 전체가 아니라 제목의 길이만큼만 된다 / Shift를 누른 채 탭을 잡으면 탭이 창의 위쪽 변을 좌우로 미끄러진다 / 화면 오른쪽 위 모서리에 Deskbar가 서고, 실행 중인 앱이 세로로 쌓인다

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Infinite Canvas — Scott McCloud 『The Right Number』 2003년 — Wikimedia Commons / Public domain

Infinite Canvas

インフィニット・キャンバス / 2000– / 레이아웃 / 웹에서 읽는 것

Scott McCloud가 2000년 『Reinventing Comics』에서 이름 붙인 웹 만화의 지면이다. 화면을 페이지가 아니라 창으로 보고, 끝없이 뻗는 한 장의 면 위에 칸을 놓는다. 공간으로 시간을 재는 매체이므로 칸의 간격이 그대로 이야기의 속도가 된다.

종이 판형에 담기지 않는 세로로 길거나 가로로 긴 면에 페이지의 끊김이 한 군데도 없다 / 칸의 간격이 벌어지는 곳에서 이야기가 느려지고 좁아지는 곳에서 빨라진다 / 계단처럼 떨어지거나 나선으로 감기는 칸의 행렬처럼 페이지 안에서는 성립하지 않는 배열 / 한 칸의 크기가 옆 칸의 수십 배가 되는, 판형에 매이지 않은 진폭

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